Directrices básicas de la coreografía para el ballet
Cuando se decide la coreografía de sus propios bailes de ballet, que tiene total libertad de expresión para su coreografía. Y eso es como debe ser. Pero los artistas de todo tipo han encontrado que florecen mejor cuando se someten voluntariamente a ciertas limitaciones. La serie de gestos de ballet, por ejemplo, es una “limitación” que de alguna manera establece la imaginación de los grandes coreógrafos de ballet libre.
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Las ideas en las siguientes secciones, seleccionadas a partir de siglos de gran coreografía, le dan un marco para su libertad, un vehículo para su propia visión artística. Todas las formas de expresión son válidas - pero estas ideas pueden ayudarle a empezar con éxito.
Encontrar su inspiración - la música o el tema
¿Qué hace que un coreógrafo quiere crear una danza en particular en el primer lugar? La mayoría de los coreógrafos dicen que por lo general se inspiran en una de dos cosas: la música o el tema.
Cuando escucha una cierta pieza de música, se le barridos en un torbellino de éxtasis? ¿Los colores y formas y movimientos sugieren inmediatamente a ti? ¿Estás perdido en el tiempo y el espacio? Si es así, sabemos que un buen médico que pueda ayudar. Sin embargo, en su defecto, la pieza suena como un buen candidato para la coreografía.
Si hay una regla básica de la coreografía, es el siguiente: los gestos de alguna manera deben reflejar la música. Lo que diferencia a los coreógrafos exitosas aparte es que sus gestos encarnan la música muy bien, como si cada frase musical había sido escrito especialmente para ellos.
Un ejemplo mayoría de las personas pueden visualizar es el baile del Hada de Azúcar de El cascanueces. A medida que la celesta comienza a jugar sus tonos tinkly, la bailarina baila, pequeños pasos delicados ágiles, pareciendo pasar rápidamente a través del escenario. Aunque diferentes coreógrafos pueden haber establecido diferentes medidas para esta música en los últimos años, casi todos ellos han tratado de crear algo apropiadamente delicada.
Es posible que le interese saber que en el mundo profesional, cada minuto de la danza en el escenario es el resultado de aproximadamente dos horas de coreografía y ensayo. Pero bueno, no dejes que te detenga.
Otra forma de inspiración es la necesidad de contar una historia. Contar historias es uno de nuestros pasatiempos más antiguos, y la danza siempre ha sido muy útil para este propósito. ¿Cierta historia llama a usted, simplemente necesidad que se expresa de alguna manera? Entonces por qué no hacer que la base para un baile?
Al contar una historia en la danza, en primer lugar decidir si desea crear una narrativa sencilla de principio a fin, o algo más complejo.
Digamos, por ejemplo, que su tema es la historia de Hansel y Gretel. Basta pensar en todas las formas en que podría contar esa historia. Se puede optar por el enfoque lineal, mostrando Hansel y Gretel vagando por el bosque, dejando caer migas de pan, perderse, pasando sobre una casa del caramelo, y conseguir engordar. O bien, podría empezar por el final de la historia, con los niños saltando sin aliento al escenario para decir lo que acaban de experimentar.
O bien, su danza podría simplemente se centran en el carácter en un momento de una historia. ¿Cómo se siente la bruja malvada cuando los niños hornean con vida? Tal vez podría hacer una danza interpretativa para informarnos. Esta expresión de un instante en el tiempo, telescópica para mostrar el peso emocional que contiene, es la base para el 99 por ciento de todos los poemas, arias de ópera y canciones populares - y funciona para la danza también.
Saber cómo desea que la coreografía para mirar
Grandes coreógrafos casi siempre hablan de su “visión” de su trabajo. Coreógrafos están orgullosos de sus visiones y le informará acerca de ellos hasta que se les pregunta a parar.
Literalmente, coreógrafos crean una imagen de la danza en sus mentes antes de atacar el meollo de la cuestión de la coreografía. Sea o no se imaginan los pasos reales en un primer momento, se puede imaginar el “look” general de la pieza. A partir de ahí, pueden empezar a elegir las medidas que mejor se adapten a esa visión.
La visión puede incluir trajes, juego, y diseños de iluminación - aunque en el mundo profesional, los diseñadores especiales son contratados para dar cuerpo a los detalles de esta parte de la visión.
Trabajando a partir de esta visión interna, coreógrafos luego escribir sus ideas usando notación de la danza - o simplemente bailar ellos mismos en cinta de vídeo.
El desarrollo de un vocabulario para el baile
Lo mismo paso básico se puede bailar de muchas maneras diferentes. Así que cuando usted coreografía de una pieza, que tiene un número casi infinito de pasos para elegir. los vocabulario de la danza se refiere a los gestos y movimientos particulares que escoger de usar - los que parecen reflejar su propio carácter y compensar su estilo personal.
El orden en el cual pone los pasos es importante, también. Los pasos deben parecen fluir de una a otra. Por ejemplo, una arabesco se ve bien cuando va seguida de una Failli. Pero se ve mal seguida de una voltereta hacia atrás. Uno simplemente se siente estas cosas.
Después de comenzar a experimentar con diferentes secuencias, es muy probable que encontrar algunos que sienten la correcta para usted. Cuando eso sucede, puede repetir esas secuencias una y otra vez - creando así un vocabulario que se puede llamar a su cuenta. George Balanchine, por ejemplo, era famoso por seguir una saltear en arabesco con un Jeté. Esa fue su marca registrada - al igual que Bob Fosse hizo un nombre por sí mismo con bombín y se dio en las piernas (también conocidos como dedos de paloma - piensa Cabaret).
El uso de su espacio de baile lleno
Aquí hay otra regla útil para la coreografía de su propio trabajo: Use la cantidad total de espacio que hay disponible. Al final del baile, todas las áreas de la etapa debería haber sido pisado por lo menos una vez.
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Incluso se debe considerar el uso de áreas no tradicionales - en el que nunca se le ocurriría baile. Escaleras, pasillos, barandillas, y otros niveles del suelo vienen a la mente. (O - charcos como Gene Kelly descubiertos en Cantando en la lluvia.) El inesperado es a menudo donde se encuentra la mayor inspiración.
Al cubrir su espacio, sugerimos que la variación de la forma de su baile. Si usted comienza con un movimiento en una Diagonal- continuación, trate de añadir un patrón circular más tarde. O viceversa. Estirar su imaginación - y mantener a su público en estado de alerta.
Poner fin a la danza como comenzaste
Una manera de hacer un baile siente artísticamente todo es “cerrado el círculo.” Y una manera de lograr esto es por el comienzo y final del baile con la misma pose.
Una versión aún más avanzada de esta técnica es para terminar en un poco “evolucionado” versión de la posición de partida. Por ejemplo, si el baile es un dúo, considere cambiar las piezas al final, por lo que la mujer termina como comenzó el hombre, y viceversa.
Esta técnica da el baile un sentimiento de realización, y que a veces puede ser muy doloroso y en movimiento. Quién sabe - usted puede tener su público en lágrimas. En el buen sentido.