Teoría de la música: la forma de llevar el ritmo de la música

En la música habla la teoría, tempo significa “tiempo”, y cuando se oye la gente habla sobre el tempo de una pieza musical, se están refiriendo a la velocidad a la que avanza la música. El punto de tempo no es necesariamente la rapidez o lentitud puede reproducir una pieza musical, sin embargo. Tempo establece el estado de ánimo básico de una pieza musical.

La importancia de tempo realmente se puede apreciar si tenemos en cuenta que el propósito original de toda la música fue a acompañar a la gente a bailar. A menudo, el movimiento de los pies de los bailarines y las posiciones del cuerpo trabajó para ajustar el tempo de la música y los músicos siguió a los bailarines.

Antes del siglo 17, los compositores tenían ningún control real sobre cómo su música transcrita se llevaría a cabo por otros, especialmente por aquellos que nunca habían oído las piezas interpretadas por su creador. Fue sólo en la década de 1600 que los compositores comenzaron a utilizar indicaciones de tempo en la partitura.

El establecimiento de un tempo universales: El minim

La primera persona a escribir un libro serio sobre el tempo y el tiempo en la música fue el filósofo y matemático francés Marin Mersenne. Desde muy temprana edad, Mersenne estaba obsesionado con las matemáticas y ritmos que rigen la vida diaria - tales como los latidos del corazón de los mamíferos, el ruido de cascos de caballos, y los flaps de las alas de diversas especies de aves. Esta obsesión lo llevó a interesarse en el campo de la teoría de la música, que todavía estaba en su infancia en el momento.

Con el lanzamiento de su libro 1636, Harmonie Universelle, Mersenne introdujo el concepto de un tempo la música universal, llamada blanca (El nombre de su orden religiosa), que era igual al ritmo del corazón humano, alrededor de 70 a 75 latidos por minuto (lpm). Por otra parte, Mersenne introdujo la idea de dividir su minim en unidades más pequeñas para que los compositores podrían empezar a añadir más detalles a su música escrita.

minim de Mersenne fue recibido con los brazos abiertos por la comunidad musical. Desde la introducción de la música escrita unos pocos cientos de años antes, compositores habían estado tratando de encontrar alguna manera de reproducir con precisión el tiempo necesario para otros músicos para realizar adecuadamente sus obras escritas. Músicos encantó el concepto porque tiene una unidad de ritmo común para practicar con hecho más fácil para los músicos individuales para jugar la creciente canon de las normas musicales con completos extraños.

Mantener el tiempo estable con un metrónomo

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Practicar con un metrónomo es la mejor manera posible para aprender a mantener un ritmo constante a lo largo de una canción, y es una de las maneras más fáciles para que coincida con el tempo de la pieza que está jugando con el tempo concebido por la persona que escribió la pieza .

El metrónomo fue inventado en 1696 por el músico e inventor francés Étienne Loulié. Su primer prototipo consistía en un péndulo simple y ponderada se llama una Cronomètre. El problema con la invención de Loulié, sin embargo, fue que con el fin de trabajar con ritmos tan lenta como 40 a 60 lpm, el dispositivo tenía que ser por lo menos 6 pies de altura.

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No fue hasta más de 100 años después de que dos manitas alemán, Dietrich Nikolaus Winkel y Johann Mäzel, trabajaron de forma independiente para producir el diseño con resorte que es la base para metrónomos analógicas (no electrónico) hoy. Maelzel fue el primero para golpear una patente sobre el producto acabado, y como resultado, su inicial está fijado a la señal de tempo estándar, MM = 120. MM es la abreviatura de metrónomo de Maelzel, y el 120 significa que 120 ppm, o 120 cuartos notas, se debe jugar en la pieza.

Al igual que el concepto de la mínima, ambos músicos y compositores con gusto recibieron el metrónomo. A partir de entonces, cuando los compositores escribieron una pieza de música, podrían ofrecer a los músicos un número exacto de latidos por minuto para ser jugados.

notación tempo Traducción

Aunque el metrónomo fue el invento perfecto para los fanáticos del control como Beethoven, la mayoría de los compositores estaban felices de usar en su lugar la creciente vocabulario de la notación para describir el tempo general, el ritmo de una canción. Incluso hoy en día, compositores siguen utilizando las mismas palabras italianas para describir el tempo y el ritmo de la música.

Estas son algunas de las anotaciones de tempo más habituales en la música occidental, por lo general se halló inscrito por encima del compás al principio de una pieza musical.

Alegro significa la música se jugó a un ritmo acelerado.

Sólo para hacer las cosas un poco más preciso, modificando adverbios tales como molto (muy), yo no (Menos), Poco (Un poco), y non troppo (No demasiado) se utilizan a veces en conjunción con los términos de notación tempo.

Escuchar para escuchar ejemplos de 80 (lento), 100 (moderado), y 120 (rápida) latidos por minuto.

Aceleración y desaceleración: Cambiar el tempo

A veces un tempo diferente se une a una frase musical específico dentro de una canción que lo distinguen del resto. Los siguientes son algunos cambios de tempo que es probable encontrar en la música escrita:

• accelerando (Accel.): Poco a poco jugar más rápido y más rápido.

• stringendo: reproducir rápidamente más rápido.

• Doppio movimento: Juega frase dos veces más rápido.

• ritardando (rit., ritard., rallentando, o Rall.): Poco a poco, jugar más y más lento.

• calando: Juega más lento y más suave.

Al final de las frases musicales en los que se ha cambiado el ritmo de juego, es posible que vea un tempo, lo que indica un retorno al tempo original de la pieza.